CONTENU DU COURS
A partir de la Version 1
COMPOSITION D’IMAGE - PERSPECTIVE - NARRATIF - PORTRAIT DE RUE
Ce cours en ligne aborde l’aspect artistique de la photographie, par contraste avec les formations dédiées à la technique. Il traite de la composition d’image, du cadrage et de la perspective. Le narratif photographique fait partie des modules abordés. Une section est consacrée à la composition spécifique au portrait de rue. Le cours inclut également un travail sur le style photographique et l’impact visuel des images.
C’est le corps principal du cours.
Des données de base (la règle des tiers) aux données avancées (les autres outils de composition, le cadrage (depuis els bases jusqu’au notions avancées, cadrage selon les valeurs de plan, etc)
Sans ces données, vous pouvez ruiner votre composition d'image
Qu’est ce que la perspective, ses conséquences et comment s’en servir pour composer une image
Le story Telling
Depuis « l’Arc Narratif » en photographie, jusqu’a la mise en pratique dans le cadre d’un Editorial
Le storytelling d'un vrai shooting pour un éditorial mode, analysé dans les moindres détails, depuis le brief jusqu’aux pages du magazine
A partir de la Version 2
Le portrait de rue est en plein essor, notamment parce qu’il ne demande que très peu de logistique et de moyens. Mais il est victime des modes internet et autre sempiternelles images vues et revues. Apprenez à COMPOSER pour le portrait de rue
A partir de la Version 3
STYLE PHOTOGRAPHIQUE
Vos photos ressemblent à celles de tout le monde, vous manquez d’un style reconnaissable.
Le cours vous guide pour identifier votre sensibilité artistique et développer une signature visuelle forte.
Vous ne savez pas quel style vous correspond vraiment et avez du mal à assumer vos choix esthétiques.
Une méthode pas à pas pour découvrir, comprendre et affirmer un style qui vous correspond vraiment.
Votre post-traitement est incohérent, vous testez trop de presets sans obtenir un rendu satisfaisant.
Comprendre quelles caractéristiques doit avoir votre rendu photographique pour en faire un des éléments de style
Vous vous inspirez des autres, mais vous avez du mal à sortir de l’imitation
Comprendre comment créer votre propre flux de créativité
Vous avez l’impression de tourner en rond, de ne pas évoluer dans votre pratique.
Une approche qui vous pousse à expérimenter, affiner et faire évoluer votre style avec intention.
Comment faire pour aller vesr son propre style ?
Un ensemble d’étapes à suivre, celles que j’ai moi même suivies, appuyées pour leur mise en pratique par une check-list
A partir de la Version 4
L’ASPECT ARTISTIQUE DE LA PHOTOGRAPHIE
Ce module se concentre sur les éléments que les photographes trouvent les plus difficiles à intégrer une fois la technique acquise :
comment structurer une image, comment prendre les bonnes décisions de cadrage, de format, de distance, de narration — et comment cela influence l’impact final de la photo.
Chaque vidéo est construite pour vous permettre de mieux comprendre les choix visuels fondamentaux que font les professionnels, et que la plupart des photographes négligent ou abordent de manière confuse.
Comprendre comment une photo peut contenir une narration, même isolée — et comment étendre cette logique à une série d’images.
On parle souvent de narration ou de storytelling, mais très peu de photographes savent concrètement comment ces notions s’intègrent dans une image fixe. Cette vidéo revient sur l’idée même de “raconter quelque chose” avec une photo unique.
Il s’agit ici de comprendre comment faire raconter une histoire à une photo, même isolée — autrement dit, une forme narrative.
On va ensuite extrapoler à une série d’image et découvrir comment instaurer une narration de manière simple.
Comprendre comment la valeur de plan et le ratio d’image influencent la perception, la lecture et la force visuelle d’une photo.
La valeur de plan n’est pas un choix neutre : elle change la proximité avec le sujet, l’ambiance de la photo, et l’émotion qu’elle déclenche.
Un même sujet cadré en plan large ou en gros plan ne raconte pas la même chose.
Il en va de même pour le ratio d’image. Un format carré, vertical ou panoramique ne produit pas la même lecture ni le même ressenti.
Le format agit sur la narration, le rythme et l’implication du regardeur.
Cette vidéo vous aide à comprendre comment ces deux éléments — souvent choisis par habitude — peuvent devenir des leviers visuels puissants.
Une méthode simple pour commencer à produire des images plus fortes — et comprendre vers quoi approfondir.
L’impact d’une image ne repose pas sur la technique seule.
Vous pouvez parfaitement maîtriser l’exposition, le cadrage ou la lumière… et pourtant produire des images qui n’accrochent pas.
Cette vidéo vous propose une méthode claire pour commencer à renforcer l’impact de vos photos :
une manière structurée d’analyser ce que produit une image, et de comprendre ce qu’il faudrait ajuster pour qu’elle fonctionne mieux.
Elle vous donne également des pistes concrètes sur ce qu’il est nécessaire d’approfondir pour aller plus loin.
Car ce que cette vidéo introduit, c’est ce que tout le cours LA PUISSANCE DE L’IMAGE AUTREMENT vous permet d’explorer en profondeur.
A partir de la version 5
Ce nouveau module mini-cours NOTIONS ARTISTIQUES AVANCÉES apporte des réponses concrètes à trois blocages majeurs que rencontrent de nombreux photographes, quel que soit leur niveau : le cadrage et la composition, le choix de la focale, et la compréhension du travail des grands photographes.
Ces trois problèmes ont un point commun : les réponses habituellement apportées sont soit erronées, soit incomplètes, soit inefficaces — et, dans certains cas, ces questions ne sont tout simplement jamais abordées. Résultat, les mêmes doutes reviennent sans cesse, les décisions restent fragiles, et les photographes ont le sentiment de tourner en rond.
L’approche proposée dans ce mini-cours fonctionne parce qu’elle s’attaque directement à l’origine de ces blocages. Elle ne repose pas sur l’ajout de règles, de recettes ou de systèmes supplémentaires, mais sur une remise à plat des mécanismes artistiques fondamentaux qui conditionnent réellement les choix photographiques.
Chaque vidéo du mini-cours traite un verrou précis, en expliquant pourquoi il existe, pourquoi les approches classiques ne donnent pas de résultats solides, et comment retrouver des choix clairs, naturels et cohérents dans sa pratique.
Apprenez comment cadrer en regardant le viseur dans son ensemble, de manière globale et à l’instinct, plutôt que de construire une image à partir de repères isolés.
On a appris à composer à partir de points, de lignes, de grilles ou de repères fixes — par exemple à « positionner les yeux sur la ligne de force supérieure ». Cette manière de faire conduit à attirer l’attention du photographe sur certaines parties de l’image seulement, au lieu de considérer le cadre comme une entité. Elle finit par réduire le champ de perception du photographe (« tunnelisation »), focaliser son attention sur un détail isolé, ralentir la prise de décision et installer un doute permanent au moment de cadrer.
Cette manière de procéder — cadrer en regardant le viseur dans son ensemble, de façon globale et en s’appuyant d’abord sur l'instinct — fonctionne parce qu’elle s’appuie sur quelque chose de stable et éprouvé. Je travaille ainsi depuis plus de cinq décennies de photographie, sans jamais avoir de doute sur mes cadrages.
À l’inverse, je constate régulièrement que de nombreux photographes restent bloqués sur ces questions de composition, précisément parce qu’ils ne s’appuient pas sur leur ressenti intérieur, et cherchent à appliquer des repères extérieurs au moment de cadrer.
Apprenez à choisir votre focale en tenant compte du contexte, de la distance, de l’usage et du rendu recherché
Le problème du choix de la focale ne vient ni du matériel, ni d’un manque d’expérience. Il vient du fait que l’on cherche à déterminer une focale avant d’avoir clairement posé la situation de prise de vue. Dans ce cas, le choix devient arbitraire, parce qu’il n’est relié ni à la distance au sujet, ni à l’usage réel, ni au rendu recherché.
Cette manière de faire entretient l’hésitation au moment de photographier. On change d’optique, on se déplace, on ajuste sans cesse son cadrage, sans jamais être certain d’aller dans la bonne direction, parce que la focale a été pensée hors contexte.
La solution marche parce qu’elle est orientée résultat.
Je ne pars jamais de la focale, mais du rendu que je veux obtenir. À partir de là, les décisions s’enchaînent naturellement — conditions de prise de vue, distance de travail, valeur de plan — et la focale devient une conséquence logique, pas une supposition. Cette manière de travailler évite les hésitations et permet de construire un rendu précis, reproductible et maîtrisé.
Apprenez à utiliser les « à la manière de » pour identifier ce qui fait la force d’un Maître et intégrer ces éléments dans votre propre style, sans jamais copier.
La difficulté, lorsqu’on regarde le travail des grands photographes, vient du fait que l’on ne sait pas réellement analyser une image, ni comprendre ce qui fait sa force. On regarde beaucoup d’images, on les admire, mais sans disposer d’un cadre permettant d’identifier clairement ce qui les caractérise.
C’est précisément pour répondre à ce problème que j’ai mis au point les « à la manière de ». Ils constituent un outil d’analyse qui permet de décortiquer une photographie, un ensemble d’images ou une écriture visuelle, afin d’identifier les éléments qui font la singularité d’un Maître. Ces éléments sont ensuite intégrés dans notre propre style.
Cette approche fonctionne parce qu’elle permet de mettre en place les ingrédients “magiques” utilisés par les Maîtres, ceux qui ont fait la force de leur photographie. En identifiant ces ingrédients, puis en les intégrant consciemment à sa propre pratique, on peut construire des images solides et personnelles, sans chercher à copier quoi que ce soit. On ne reproduit pas une photographie existante, on réutilise ce qui la rend forte pour nourrir son propre travail. Je l’utilise depuis au moins deux décennies.
NOUVEAU MODULE DANS CETTE V6
Le Module NOTIONS AVANCÉES POUR CONSTRUIRE VOS IMAGES™ aborde plusieurs notions essentielles qui, jusqu’à présent, restaient totalement floues pour la grande majorité des photographes.
Ce mini-cours apporte des réponses concrètes à plusieurs blocages majeurs que rencontrent de nombreux photographes : la difficulté à faire évoluer réellement leurs images malgré une consommation importante de contenus, l’incapacité à définir un style clair et identifiable, et le manque de compréhension de ce qui fait qu’une image fonctionne réellement.
Ces difficultés ont un point commun : la photographie est très souvent abordée à travers ses outils — lumière, cadrage, technique ou traitement — sans que soit réellement traitée la question de ce qui précède ces outils. Les photographes accumulent alors des informations, des inspirations ou des idées, sans parvenir à les transformer en images construites et maîtrisées.
L’approche proposée dans ce mini-cours repose sur une logique claire et structurée, issue de l’analyse de nombreuses images et de plusieurs décennies de pratique. Elle ne consiste pas à appliquer des recettes ou à reproduire des effets, mais à comprendre comment se construit une image à partir d’une base solide : le choix des photos références, la capacité à cultiver un style, et la compréhension approfondie de l’intention en photographie.
Chaque vidéo du mini-cours aborde un verrou précis :
La manière de choisir et d’utiliser des photos références de manière efficace, afin de produire des images qui évoluent réellement.
La compréhension des mécanismes qui permettent de cultiver un style photographique, à partir d’éléments concrets et maîtrisables.
Une définition approfondie de l’intention en photographie, illustrée par de nombreux exemples issus d’images reconnues et d’analyses de cas réels.
L’objectif est de permettre à chaque photographe, professionnel comme amateur, de mieux comprendre comment se construit une image avant même sa réalisation, afin de produire des images plus lisibles, plus solides et mieux construites, sans dépendre uniquement d’outils techniques ou d’inspirations ponctuelles.
Comprenez comment choisir et utiliser des photos références de manière précise, afin de produire des images qui évoluent réellement, en vous appuyant sur des bases solides plutôt que sur une accumulation de contenus.
Cette Keynote explicative revient en détail sur une difficulté majeure rencontrée par de nombreux photographes : regarder énormément d’images sans que cela ne produise d’effet réel sur leur propre travail.
La présentation explique pourquoi la simple consommation de contenus — sur Instagram, YouTube ou ailleurs — ne permet pas de progresser, et en quoi cette approche crée une illusion d’apprentissage sans impact concret sur les images produites.
Elle montre comment aborder correctement les photos références, non pas comme des sources d’inspiration vagues, mais comme des outils précis permettant de comprendre ce qui fonctionne réellement dans une image, et de pouvoir s’appuyer dessus pour construire ses propres photographies.
Cette approche décrit ma manière réelle de travailler avec des photos références, une manière de procéder que j’utilise depuis plusieurs décennies de pratique, et qui s’appuie également sur l’analyse des images produites par les grands photographes.
Cette approche fonctionne car elle ne repose pas sur une accumulation d’images ou d’inspirations, mais sur une compréhension précise des éléments qui font qu’une image tient réellement, et sur la capacité à les réutiliser de manière maîtrisée.
Comprenez comment se cultive un style photographique, à partir de 16 éléments concrets qui influencent directement le rendu d’une image, afin de produire des images construites et maîtrisées.
Cette Keynote explicative revient en détail sur une difficulté majeure rencontrée par de nombreux photographes : la difficulté à définir un style clair, malgré de nombreux essais et une pratique régulière.
La présentation explique pourquoi le style est souvent abordé de manière floue ou approximative, à travers des rendus, des effets ou des tendances, sans compréhension réelle de ce qui le construit.
Elle montre comment aborder correctement la notion de style, non pas comme quelque chose à “trouver”, mais comme quelque chose qui se cultive, à partir de 16 éléments concrets qui influencent directement le rendu d’une image.
Cette approche décrit ma manière réelle de travailler le style photographique, une manière de procéder que j’utilise depuis plusieurs décennies de pratique, et qui s’appuie également sur l’analyse des images produites par les grands photographes.
Cette approche fonctionne car elle ne repose pas sur des effets visuels ou des tendances passagères, mais sur des éléments précis et maîtrisables, qui permettent de produire des images construites sans approximation.
Comprenez ce qu’est réellement l’intention en photographie, à travers une définition précise et de nombreux exemples concrets, afin de comprendre pourquoi certaines images fonctionnent… et d’autres non.
Cette Keynote explicative revient en détail sur une difficulté majeure rencontrée par de nombreux photographes : comprendre pourquoi certaines images possèdent un impact fort, alors que d’autres, pourtant techniquement correctes, restent sans effet.
La présentation explique pourquoi cette question est rarement traitée de manière claire, et en quoi elle est souvent remplacée par des explications vagues ou approximatives, centrées sur des éléments visibles plutôt que sur ce qui les provoque réellement.
Elle montre comment aborder correctement cette question, en comprenant précisément ce qu’est une intention en photographie, à travers une analyse approfondie, accompagnée de nombreux exemples concrets, issus de photos reconnues et de décryptages réalisés sur des images réelles.
Cette approche décrit ma manière réelle de construire une image, une manière de procéder que j’utilise depuis plusieurs décennies de pratique, et qui s’appuie également sur l’analyse des images produites par les grands photographes.
Cette approche fonctionne car elle ne repose pas sur des interprétations subjectives ou des ressentis, mais sur une compréhension précise de ce qui produit un impact dans une image, et sur la capacité à l’utiliser de manière maîtrisée.