MINI-COURS ONLINE
Tout ce qu’il faut savoir pour photographier, éclairer et diriger un modèle de manière professionnelle, à la manière des grands maîtres du portrait de studio.
Apprenez à travailler avec des repères concrets pour anticiper vos résultats et retrouver la confiance dans chaque séance de studio.
Pour de nombreux photographes, le vrai obstacle du travail en studio n’est pas la technique, mais l’incertitude.
Chaque séance commence avec une idée précise, une intention, un rendu espéré… mais le résultat final reste flou jusqu’au dernier moment.
Le setup est en place, la lumière paraît correcte, le modèle pose bien — et pourtant, le doute s’installe.
Sera-t-elle vraiment comme imaginée ? Le rendu sera-t-il fidèle à l’intention ?
Ce sentiment d’incertitude épuise.
À force de ne pas savoir à l’avance où mène le travail, chaque séance finit par ressembler à une expérimentation hasardeuse.
Les images sont parfois réussies, parfois non, sans qu’il soit toujours possible d’expliquer pourquoi.
Et ce manque de repère finit par peser, jusqu’à faire douter de sa propre maîtrise du studio.
💡 Cette incertitude n’a rien d’une fatalité. Elle ne vient ni d’un manque de talent ni d’un problème de matériel, mais simplement de l’absence de repères solides. Comprendre comment les grands photographes travaillent, c’est retrouver une base claire — un fil conducteur qui permet d’anticiper le résultat avant même de déclencher.
L’anticipation du rendu n’est pas un talent réservé à quelques privilégiés, ni une question d’instinct mystérieux.
C’est une compétence fondamentale que tout photographe de studio peut acquérir : celle de savoir à l’avance où il va, ce qu’il construit, et quel rendu il obtiendra.
Cette maîtrise repose sur des repères clairs, une logique de travail éprouvée, et une compréhension fine de la lumière et du rendu final.
C’est cette capacité à prévoir, à visualiser et à reproduire un résultat cohérent qui transforme la pratique du studio.
C’est ce qui fait passer d’une approche aléatoire à une approche professionnelle, où chaque image trouve naturellement sa justesse, sa densité, son équilibre.
Comprendre les plans lumière, c’est bien. Mais comprendre la vision du photographe qui les a pensés, c’est ce qui change tout.
Un plan lumière peut se recopier.
Mais ce n’est pas lui qui fait la photo.
Chaque setup prend son sens dans un univers plus large : celui du photographe qui l’a conçu, de sa culture visuelle, de sa manière de diriger, de son rapport au modèle, de la façon dont il développe et finalise ses images.
Ce mini-cours ne se limite donc pas à reproduire des schémas. Il montre comment penser à la manière des grands photographes, comprendre leurs choix, leur cohérence, leurs intentions.
C’est ce qui permet de donner à vos images un sens, une identité, et une vraie continuité entre la lumière, la pose et le rendu final.
Ce mini-cours online réunit l’essentiel de ce qu’il faut savoir pour comprendre et appliquer la méthode “à la manière de” dans votre propre pratique du studio. Il rassemble cinq vidéos, chacune consacrée à un grand photographe — Patrick Demarchelier, Helmut Newton, Herb Ritts, Jeanloup Sieff et Jean-Baptiste Mondino —, pour analyser leur univers visuel, leurs setups emblématiques et la manière dont leurs choix de lumière, de cadrage et de rendu se traduisent dans leurs images.
Chaque module montre comment utiliser les “à la manière de” pour résoudre les incertitudes les plus courantes : savoir à quoi ressemblera le rendu avant même la prise de vue, comprendre quel post-traitement conviendra à l’intention initiale, et obtenir une continuité de style d’une séance à l’autre. C’est une méthode qui permet d’avancer avec assurance, en sachant où l’on va et pourquoi on y va.
Le mini-cours comprend également une vidéo bonus consacrée à la lumière LED, destinée à expliquer concrètement ses avantages et à aider chacun à déterminer si elle peut enrichir sa pratique du studio.
C’est un ensemble complet, conçu comme une immersion dans la démarche des grands photographes. Il offre des repères solides à ceux qui veulent comprendre ce qui rend leurs images intemporelles, tout en posant les bases d’une méthode de travail claire et reproductible.
Ce mini-cours représente également l’évolution de la nouvelle version du cours PHOTOGRAPHIEZ AUTREMENT EN STUDIO™, la version 4, qui prolonge cette approche avec des démonstrations détaillées, des setups complets et des études de cas approfondies.
Stéphanie Seymour par Patrick Demarchelier
Patrick Demarchelier est une référence mondiale de la photographie de mode et de studio. Son style intemporel, fondé sur la simplicité et la maîtrise de la lumière, est devenu un repère pour de nombreux photographes. Il travaille souvent en fond neutre, avec une seule source lumineuse qu’il place avec une précision exemplaire. Ce minimalisme volontaire met l’accent sur la construction de l’image et la présence du sujet, sans effets inutiles. Son approche a façonné une part de l’esthétique contemporaine du portrait de mode. Il est mentionné dans Le Diable s’habille en Prada et fut le photographe officiel — et ami — de Lady Diana.
Bjork par Jean-Baptiste Mondino
Jean-Baptiste Mondino est un photographe et réalisateur français dont le style fusionne la mode, la musique et la publicité. Sa triple activité — photographe de mode, vidéaste musical et réalisateur publicitaire — lui a permis de créer un univers visuel à la fois élégant, énergique et profondément ancré dans la culture populaire. Il maîtrise la lumière de studio avec une précision quasi cinématographique et joue sur les contrastes nets, les attitudes fortes et les mises en scène graphiques. Son regard mêle sensualité, ironie et audace visuelle, tout en restant au service du style et du rythme. Il s’est imposé comme l’un des maîtres de l’image contemporaine, capable de passer du portrait au clip en gardant une esthétique immédiatement reconnaissable. Parmi ses travaux emblématiques, on retrouve le clip Cargo de nuit pour Axel Bauer, Tandem pour Vanessa Paradis, Vogue pour Madonna, les pochettes d’albums Debut de Björk et Crache ton venin de Téléphone, ainsi que des campagnes parfum mythiques pour Dior – J’adore et Louis Vuitton – Spell On You.
Yves Saint-Laurent par Jeanloup Sieff
Jeanloup Sieff est l’un des maîtres incontestés du noir et blanc. Son style se reconnaît immédiatement à ses contrastes profonds, à son usage audacieux du grand-angle et à la présence d’ombres denses qui sculptent l’image. Il joue avec l’élégance, la sensualité et la géométrie du cadre pour créer des portraits d’une intensité rare. Photographe de mode, de nu et de reportage, il a su mêler rigueur graphique et liberté artistique. Parmi ses images les plus emblématiques, on trouve le célèbre portrait nu d’Yves Saint-Laurent, qui incarne à lui seul l’audace et la modernité de son regard.
Sigourney Weaver par Helmut Newton
Helmut Newton est une figure incontournable de la photographie de mode. Son regard audacieux a redéfini les codes du portrait et du glamour : il met en scène des femmes puissantes, chargées de désir et d’une élégance froide, dans des compositions travaillées alliant lumière forte, contraste élevé et atmosphère cinématographique. Son travail mêle subtilement érotisme et sophistication, tout en restant enraciné dans une esthétique visuelle maîtrisée.
Madonna par Herb Ritts
Herb Ritts s’est imposé comme une référence majeure de la photographie de mode et du portrait. Son style, épuré et intemporel, repose sur des compositions sculpturales, souvent en noir et blanc, où le corps devient une architecture à part entière. Il travaille presque toujours avec la lumière naturelle californienne, qu’il utilise comme un sculpteur modèle la matière. Ses images, influencées par l’esthétique classique, se distinguent par leurs lignes claires, leur équilibre et la présence fréquente d’une ombre portée sur le fond, devenue l’une de ses signatures visuelles.
EN BONUS
Comprendre les avantages de la lumière LED avant de s’y engager
Cette vidéo est destinée à expliquer en détail ce qu’apporte la lumière LED à ceux qui hésitent encore à franchir le pas, ou qui souhaitent simplement comprendre ses atouts avant de s’y engager. Elle montre comment la lumière continue modifie profondément la manière de travailler : elle crée une atmosphère plus calme, plus fluide, et permet de voir le rendu final dès la mise en place du setup, sans avoir à déclencher. J’y aborde également la facilité d’ajustement en direct — puissance, température de couleur, orientation — ainsi que la liberté de placement qu’offrent ces sources plus légères et compactes. Cette vidéo ne cherche pas à opposer LED et flash, mais à montrer en quoi elles se complètent. Elle aide chacun à évaluer concrètement si la lumière continue correspond à sa manière de photographier, avant d’investir ou de modifier sa pratique.