COURS ONLINE - Anciennement « LA PUISSANCE DE LA COMPOSITION D’IMAGE »
Maîtrisez la puissance de l’image par la Composition, le Storytelling et le Style
Ainsi que le storytelling et votre Style photographique
De la manière la plus simple possible, avec de nombreux exemples et démonstrations
Tant sur l’aspect technique : le cadrage, les outils de composition issus du « Nombre d’Or » (tels que les diagonales, le triangle d’or, les cinquièmes, la spirale de Fibonacci, la règle des tiers etc), la symétrie et l’asymétrie, le décadrage, les points d’appui, l'équilibre, la profondeur dans l’image, etc.
Que sur l’aspect artistique et narratif (raconter une histoire le Storytelling), la relation entre le narratif et la composition d’image, la relation entre le narratif et la direction du modèle, etc
Ainsi que sur l’élaboration de votre propre style photographique
NOUVEAU MODULE DANS CETTE V5
Ce nouveau module mini-cours NOTIONS ARTISTIQUES AVANCÉES apporte des réponses concrètes à trois blocages majeurs que rencontrent de nombreux photographes, quel que soit leur niveau : le cadrage et la composition, le choix de la focale, et la compréhension du travail des grands photographes.
Ces trois problèmes ont un point commun : les réponses habituellement apportées sont soit erronées, soit incomplètes, soit inefficaces — et, dans certains cas, ces questions ne sont tout simplement jamais abordées. Résultat, les mêmes doutes reviennent sans cesse, les décisions restent fragiles, et les photographes ont le sentiment de tourner en rond.
L’approche proposée dans ce mini-cours fonctionne parce qu’elle s’attaque directement à l’origine de ces blocages. Elle ne repose pas sur l’ajout de règles, de recettes ou de systèmes supplémentaires, mais sur une remise à plat des mécanismes artistiques fondamentaux qui conditionnent réellement les choix photographiques.
Chaque vidéo du mini-cours traite un verrou précis, en expliquant pourquoi il existe, pourquoi les approches classiques ne donnent pas de résultats solides, et comment retrouver des choix clairs, naturels et cohérents dans sa pratique.
Apprenez à choisir votre focale en tenant compte du contexte, de la distance, de l’usage et du rendu recherché
Le problème du choix de la focale ne vient ni du matériel, ni d’un manque d’expérience. Il vient du fait que l’on cherche à déterminer une focale avant d’avoir clairement posé la situation de prise de vue. Dans ce cas, le choix devient arbitraire, parce qu’il n’est relié ni à la distance au sujet, ni à l’usage réel, ni au rendu recherché.
Cette manière de faire entretient l’hésitation au moment de photographier. On change d’optique, on se déplace, on ajuste sans cesse son cadrage, sans jamais être certain d’aller dans la bonne direction, parce que la focale a été pensée hors contexte.
La solution marche parce qu’elle est orientée résultat.
Je ne pars jamais de la focale, mais du rendu que je veux obtenir. À partir de là, les décisions s’enchaînent naturellement — conditions de prise de vue, distance de travail, valeur de plan — et la focale devient une conséquence logique, pas une supposition. Cette manière de travailler évite les hésitations et permet de construire un rendu précis, reproductible et maîtrisé.
Apprenez comment cadrer en regardant le viseur dans son ensemble, de manière globale et à l’instinct, plutôt que de construire une image à partir de repères isolés.
On a appris à composer à partir de points, de lignes, de grilles ou de repères fixes — par exemple à « positionner les yeux sur la ligne de force supérieure ». Cette manière de faire conduit à attirer l’attention du photographe sur certaines parties de l’image seulement, au lieu de considérer le cadre comme une entité. Elle finit par réduire le champ de perception du photographe (« tunnelisation »), focaliser son attention sur un détail isolé, ralentir la prise de décision et installer un doute permanent au moment de cadrer.
Cette manière de procéder — cadrer en regardant le viseur dans son ensemble, de façon globale et en s’appuyant d’abord sur l'instinct — fonctionne parce qu’elle s’appuie sur quelque chose de stable et éprouvé. Je travaille ainsi depuis plus de cinq décennies de photographie, sans jamais avoir de doute sur mes cadrages.
À l’inverse, je constate régulièrement que de nombreux photographes restent bloqués sur ces questions de composition, précisément parce qu’ils ne s’appuient pas sur leur ressenti intérieur, et cherchent à appliquer des repères extérieurs au moment de cadrer.
Apprenez à utiliser les « à la manière de » pour identifier ce qui fait la force d’un Maître et intégrer ces éléments dans votre propre style, sans jamais copier.
La difficulté, lorsqu’on regarde le travail des grands photographes, vient du fait que l’on ne sait pas réellement analyser une image, ni comprendre ce qui fait sa force. On regarde beaucoup d’images, on les admire, mais sans disposer d’un cadre permettant d’identifier clairement ce qui les caractérise.
C’est précisément pour répondre à ce problème que j’ai mis au point les « à la manière de ». Ils constituent un outil d’analyse qui permet de décortiquer une photographie, un ensemble d’images ou une écriture visuelle, afin d’identifier les éléments qui font la singularité d’un Maître. Ces éléments sont ensuite intégrés dans notre propre style.
Cette approche fonctionne parce qu’elle permet de mettre en place les ingrédients “magiques” utilisés par les Maîtres, ceux qui ont fait la force de leur photographie. En identifiant ces ingrédients, puis en les intégrant consciemment à sa propre pratique, on peut construire des images solides et personnelles, sans chercher à copier quoi que ce soit. On ne reproduit pas une photographie existante, on réutilise ce qui la rend forte pour nourrir son propre travail. Je l’utilise depuis au moins deux décennies.
CONTENU DU COURS
LE CORPS PRINCIPAL DU COURS
Comme dans les versions précédentes
Vous vous êtes heurté aux problèmes suivants
Pas de schéma simple, clair net et précis. Vous n’avez pas de feuille de route. Vous ne savez pas par quoi commencer. Du coup vous travaillez à l’instinct (ce qui est très bien) mais seulement à l’instinct. Rien de bien cadré (c’est le cas de le dire)
Soit les informations que l’on vous à donné sont insuffisantes. la plupart du temps elle se limitent à la Règle des Tiers et à quelques autres outils décrits de manière sommaire, sans explication du pourquoi ni du comment.
Soit elles sont pas expliquées, ou elles vous semblent complexes d’accès : On vous dit d’utiliser le nombre d’or, la spirale de Fibonacci, le triangle d’or, les diagonales, l’asymétrie, le décadrage. C’est bien beau oui, mais comment ? Et le story telling ? comment ça marche ? Et puis d’abord, est ce que ce n’est pas simplement une mode ?
Vous ne savez pas quel style vous correspond vraiment et avez du mal à assumer vos choix esthétiques.
Vous utilisez vaguement la règle des tiers. parce quand on vous a dit qu'il fallait l'utiliser, parce que vous avez remarqué que effectivement ça améliore les choses et ça aide.
Mais en fait vous ne savez pas pourquoi. Vous ne savez pas pourquoi cette règle fonctionne, ni même comment elle fonctionne.
Et puis vous avez entendu parler d'autres outils comme la spirale de Fibonacci. Et vous vous demandez « à quoi ca peut bien servir ? »
On vous suggère de l’utiliser mais vous n'avez pas la moindre idée de comment ça marche.
Et cette notion de narratif, le fameux Storytelling, c’est quoi ? vous n'avez aucune idée de comment ça fonctionne, en admettant que ça fonctionne !
Et la relation entre la composition d'images et l'artistique ? Ça aussi vous en avez entendu parler. Mais là encore vous n'avez pas la moindre idée de la manière dont ça fonctionne. Rien de concret !
Je me suis tout simplement posé la question pour moi même.
Comme tout le monde, je me demandais comment utiliser techniquement ces outils, puis comment les relier à l’artistique et au Storytelling. Et comment les relier aux poses du modèle...
Tout comme beaucoup d’entre nous, j’utilisais ce bric à brac, j’ai constaté qu’il fonctionnait, mais je ne savais ni pourquoi, ni comment, ni quand utiliser quoi. La confusion et la pifomètrie !
Simplement en vous permettant d’appliquer ces notions archi connues mais que très peu savent utiliser tout en en ayant la parfaite maitrise et compréhension
La composition d’image à un impact qui semble imperceptible mais qui est en fait puissant. On peut composer pour raconter, captiver et émouvoir. Et pour deux personnes de niveau technique équivalent, c'est la composition d'image qui fera la différence.
Elle peut faire que votre client vous choisira vous, plutôt que votre concurrent, car il sera plus sensible à votre manière de composer et de raconter, même inconsciemment
Si vous êtes Photographe amateur, le résultat sera le même, par exemple dans le cadre d'une collaboration .
Vos équipes seront irrésistiblement attirées par votre travail, sans même savoir pourquoi, ce qui devrait vous faciliter grandement les choses pour l’organisation de vos shootings, pour la constitution de vos équipes, modèles, maquilleuse, coiffeuse, Styliste, etc.
Vous avez l’impression de tourner en rond, de ne pas évoluer dans votre pratique.
Beaucoup de gens croient que l’on doit composer d’après des règles. Alors qu’en fait on doit composer d’après son instinct. Les règles ne servent ensuite qu’a vérifier ou à éduquer ces aptitudes que nous possédons tous instinctivement : la perception et la sensation d’harmonie et d’équilibre.
Cette sensation est instinctive, mais elle peut s’éduquer, avec la technique suivante, d’une simplicité déconcertante :
Expliquer pleinement ce qu’est la règle d’or et les outils de cadrage. Ne pas se contenter de dire « qu’il faut les utiliser », mais montrer pourquoi et comment (chose qui n’est jamais faite, ou le plus souvent bâclée). Dire à quelqu’un « qui faut placer le regard sur une ligne de force » ne sert à rien si la personne ne comprend pas pourquoi. C’est pourtant de cette manière que la règle des tiers est « enseignée » la plupart du temps.
Le photographe doit ensuite faire des des photos en tenant compte de ce qu’il à appris au point 1
Puis le photographe vérifie que ses photos réalisées au point 2 correspondent à ce qu’il a appris au point 1
Le photographe refait les points 2 et 3 encore et encore, jusqu’à se sentir de plus en plus à l’aise avce sa composition et son cadrage.
Les photographes possèdent cet instinct, mais les spectateurs (et donc les clients) aussi !
Ce ce fait, ceux-ci seront instinctivement attirés par des images qui traduisent le mieux l'instinct d’harmonie que nous possédons tous.
J’ai donc fait en sorte de créer un outil qui va révéler, développer et cultiver votre sensation naturelle d’harmonie visuelle.
A partir de la Version 1
COMPOSITION D’IMAGE - PERSPECTIVE - NARRATIF - PORTRAIT DE RUE
Ce cours en ligne aborde l’aspect artistique de la photographie, par contraste avec les formations dédiées à la technique. Il traite de la composition d’image, du cadrage et de la perspective. Le narratif photographique fait partie des modules abordés. Une section est consacrée à la composition spécifique au portrait de rue. Le cours inclut également un travail sur le style photographique et l’impact visuel des images.
C’est le corps principal du cours.
Des données de base (la règle des tiers) aux données avancées (les autres outils de composition, le cadrage (depuis els bases jusqu’au notions avancées, cadrage selon les valeurs de plan, etc)
Sans ces données, vous pouvez ruiner votre composition d'image
Qu’est ce que la perspective, ses conséquences et comment s’en servir pour composer une image
Le story Telling
Depuis « l’Arc Narratif » en photographie, jusqu’a la mise en pratique dans le cadre d’un Editorial
Le storytelling d'un vrai shooting pour un éditorial mode, analysé dans les moindres détails, depuis le brief jusqu’aux pages du magazine
A partir de la Version 2
Le portrait de rue est en plein essor, notamment parce qu’il ne demande que très peu de logistique et de moyens. Mais il est victime des modes internet et autre sempiternelles images vues et revues. Apprenez à COMPOSER pour le portrait de rue
A partir de la Version 3
STYLE PHOTOGRAPHIQUE
Vos photos ressemblent à celles de tout le monde, vous manquez d’un style reconnaissable.
Le cours vous guide pour identifier votre sensibilité artistique et développer une signature visuelle forte.
Vous ne savez pas quel style vous correspond vraiment et avez du mal à assumer vos choix esthétiques.
Une méthode pas à pas pour découvrir, comprendre et affirmer un style qui vous correspond vraiment.
Votre post-traitement est incohérent, vous testez trop de presets sans obtenir un rendu satisfaisant.
Comprendre quelles caractéristiques doit avoir votre rendu photographique pour en faire un des éléments de style
Vous vous inspirez des autres, mais vous avez du mal à sortir de l’imitation
Comprendre comment créer votre propre flux de créativité
Vous avez l’impression de tourner en rond, de ne pas évoluer dans votre pratique.
Une approche qui vous pousse à expérimenter, affiner et faire évoluer votre style avec intention.
Comment faire pour aller vesr son propre style ?
Un ensemble d’étapes à suivre, celles que j’ai moi même suivies, appuyées pour leur mise en pratique par une check-list
A partir de la Version 4
L’ASPECT ARTISTIQUE DE LA PHOTOGRAPHIE
Ce module se concentre sur les éléments que les photographes trouvent les plus difficiles à intégrer une fois la technique acquise :
comment structurer une image, comment prendre les bonnes décisions de cadrage, de format, de distance, de narration — et comment cela influence l’impact final de la photo.
Chaque vidéo est construite pour vous permettre de mieux comprendre les choix visuels fondamentaux que font les professionnels, et que la plupart des photographes négligent ou abordent de manière confuse.
Comprendre comment une photo peut contenir une narration, même isolée — et comment étendre cette logique à une série d’images.
On parle souvent de narration ou de storytelling, mais très peu de photographes savent concrètement comment ces notions s’intègrent dans une image fixe. Cette vidéo revient sur l’idée même de “raconter quelque chose” avec une photo unique.
Il s’agit ici de comprendre comment faire raconter une histoire à une photo, même isolée — autrement dit, une forme narrative.
On va ensuite extrapoler à une série d’image et découvrir comment instaurer une narration de manière simple.
Comprendre comment la valeur de plan et le ratio d’image influencent la perception, la lecture et la force visuelle d’une photo.
La valeur de plan n’est pas un choix neutre : elle change la proximité avec le sujet, l’ambiance de la photo, et l’émotion qu’elle déclenche.
Un même sujet cadré en plan large ou en gros plan ne raconte pas la même chose.
Il en va de même pour le ratio d’image. Un format carré, vertical ou panoramique ne produit pas la même lecture ni le même ressenti.
Le format agit sur la narration, le rythme et l’implication du regardeur.
Cette vidéo vous aide à comprendre comment ces deux éléments — souvent choisis par habitude — peuvent devenir des leviers visuels puissants.
Une méthode simple pour commencer à produire des images plus fortes — et comprendre vers quoi approfondir.
L’impact d’une image ne repose pas sur la technique seule.
Vous pouvez parfaitement maîtriser l’exposition, le cadrage ou la lumière… et pourtant produire des images qui n’accrochent pas.
Cette vidéo vous propose une méthode claire pour commencer à renforcer l’impact de vos photos :
une manière structurée d’analyser ce que produit une image, et de comprendre ce qu’il faudrait ajuster pour qu’elle fonctionne mieux.
Elle vous donne également des pistes concrètes sur ce qu’il est nécessaire d’approfondir pour aller plus loin.
Car ce que cette vidéo introduit, c’est ce que tout le cours LA PUISSANCE DE L’IMAGE AUTREMENT vous permet d’explorer en profondeur.
A partir de la version 5
Ce nouveau module mini-cours NOTIONS ARTISTIQUES AVANCÉES apporte des réponses concrètes à trois blocages majeurs que rencontrent de nombreux photographes, quel que soit leur niveau : le cadrage et la composition, le choix de la focale, et la compréhension du travail des grands photographes.
Ces trois problèmes ont un point commun : les réponses habituellement apportées sont soit erronées, soit incomplètes, soit inefficaces — et, dans certains cas, ces questions ne sont tout simplement jamais abordées. Résultat, les mêmes doutes reviennent sans cesse, les décisions restent fragiles, et les photographes ont le sentiment de tourner en rond.
L’approche proposée dans ce mini-cours fonctionne parce qu’elle s’attaque directement à l’origine de ces blocages. Elle ne repose pas sur l’ajout de règles, de recettes ou de systèmes supplémentaires, mais sur une remise à plat des mécanismes artistiques fondamentaux qui conditionnent réellement les choix photographiques.
Chaque vidéo du mini-cours traite un verrou précis, en expliquant pourquoi il existe, pourquoi les approches classiques ne donnent pas de résultats solides, et comment retrouver des choix clairs, naturels et cohérents dans sa pratique.
Apprenez comment cadrer en regardant le viseur dans son ensemble, de manière globale et à l’instinct, plutôt que de construire une image à partir de repères isolés.
On a appris à composer à partir de points, de lignes, de grilles ou de repères fixes — par exemple à « positionner les yeux sur la ligne de force supérieure ». Cette manière de faire conduit à attirer l’attention du photographe sur certaines parties de l’image seulement, au lieu de considérer le cadre comme une entité. Elle finit par réduire le champ de perception du photographe (« tunnelisation »), focaliser son attention sur un détail isolé, ralentir la prise de décision et installer un doute permanent au moment de cadrer.
Cette manière de procéder — cadrer en regardant le viseur dans son ensemble, de façon globale et en s’appuyant d’abord sur l'instinct — fonctionne parce qu’elle s’appuie sur quelque chose de stable et éprouvé. Je travaille ainsi depuis plus de cinq décennies de photographie, sans jamais avoir de doute sur mes cadrages.
À l’inverse, je constate régulièrement que de nombreux photographes restent bloqués sur ces questions de composition, précisément parce qu’ils ne s’appuient pas sur leur ressenti intérieur, et cherchent à appliquer des repères extérieurs au moment de cadrer.
Apprenez à choisir votre focale en tenant compte du contexte, de la distance, de l’usage et du rendu recherché
Le problème du choix de la focale ne vient ni du matériel, ni d’un manque d’expérience. Il vient du fait que l’on cherche à déterminer une focale avant d’avoir clairement posé la situation de prise de vue. Dans ce cas, le choix devient arbitraire, parce qu’il n’est relié ni à la distance au sujet, ni à l’usage réel, ni au rendu recherché.
Cette manière de faire entretient l’hésitation au moment de photographier. On change d’optique, on se déplace, on ajuste sans cesse son cadrage, sans jamais être certain d’aller dans la bonne direction, parce que la focale a été pensée hors contexte.
La solution marche parce qu’elle est orientée résultat.
Je ne pars jamais de la focale, mais du rendu que je veux obtenir. À partir de là, les décisions s’enchaînent naturellement — conditions de prise de vue, distance de travail, valeur de plan — et la focale devient une conséquence logique, pas une supposition. Cette manière de travailler évite les hésitations et permet de construire un rendu précis, reproductible et maîtrisé.
Apprenez à utiliser les « à la manière de » pour identifier ce qui fait la force d’un Maître et intégrer ces éléments dans votre propre style, sans jamais copier.
La difficulté, lorsqu’on regarde le travail des grands photographes, vient du fait que l’on ne sait pas réellement analyser une image, ni comprendre ce qui fait sa force. On regarde beaucoup d’images, on les admire, mais sans disposer d’un cadre permettant d’identifier clairement ce qui les caractérise.
C’est précisément pour répondre à ce problème que j’ai mis au point les « à la manière de ». Ils constituent un outil d’analyse qui permet de décortiquer une photographie, un ensemble d’images ou une écriture visuelle, afin d’identifier les éléments qui font la singularité d’un Maître. Ces éléments sont ensuite intégrés dans notre propre style.
Cette approche fonctionne parce qu’elle permet de mettre en place les ingrédients “magiques” utilisés par les Maîtres, ceux qui ont fait la force de leur photographie. En identifiant ces ingrédients, puis en les intégrant consciemment à sa propre pratique, on peut construire des images solides et personnelles, sans chercher à copier quoi que ce soit. On ne reproduit pas une photographie existante, on réutilise ce qui la rend forte pour nourrir son propre travail. Je l’utilise depuis au moins deux décennies.
LE CORPS PRINCIPAL DU COURS
Vous vous êtes heurté aux problèmes suivants
Pas de schéma simple, clair net et précis. Vous n’avez pas de feuille de route. Vous ne savez pas par quoi commencer. Du coup vous travaillez à l’instinct (ce qui est très bien) mais seulement à l’instinct. Rien de bien cadré (c’est le cas de le dire)
Soit les informations que l’on vous à donné sont insuffisantes. la plupart du temps elle se limitent à la Règle des Tiers et à quelques autres outils décrits de manière sommaire, sans explication du pourquoi ni du comment.
Soit elles sont pas expliquées, ou elles vous semblent complexes d’accès : On vous dit d’utiliser le nombre d’or, la spirale de Fibonacci, le triangle d’or, les diagonales, l’asymétrie, le décadrage. C’est bien beau oui, mais comment ? Et le story telling ? comment ça marche ? Et puis d’abord, est ce que ce n’est pas simplement une mode ?
Vous ne savez pas quel style vous correspond vraiment et avez du mal à assumer vos choix esthétiques.
Vous utilisez vaguement la règle des tiers. parce quand on vous a dit qu'il fallait l'utiliser, parce que vous avez remarqué que effectivement ça améliore les choses et ça aide.
Mais en fait vous ne savez pas pourquoi. Vous ne savez pas pourquoi cette règle fonctionne, ni même comment elle fonctionne.
Et puis vous avez entendu parler d'autres outils comme la spirale de Fibonacci. Et vous vous demandez « à quoi ca peut bien servir ? »
On vous suggère de l’utiliser mais vous n'avez pas la moindre idée de comment ça marche.
Et cette notion de narratif, le fameux Storytelling, c’est quoi ? vous n'avez aucune idée de comment ça fonctionne, en admettant que ça fonctionne !
Et la relation entre la composition d'images et l'artistique ? Ça aussi vous en avez entendu parler. Mais là encore vous n'avez pas la moindre idée de la manière dont ça fonctionne. Rien de concret !
Je me suis tout simplement posé la question pour moi même.
Comme tout le monde, je me demandais comment utiliser techniquement ces outils, puis comment les relier à l’artistique et au Storytelling. Et comment les relier aux poses du modèle...
Tout comme beaucoup d’entre nous, j’utilisais ce bric à brac, j’ai constaté qu’il fonctionnait, mais je ne savais ni pourquoi, ni comment, ni quand utiliser quoi. La confusion et la pifomètrie !
Simplement en vous permettant d’appliquer ces notions archi connues mais que très peu savent utiliser tout en en ayant la parfaite maitrise et compréhension
La composition d’image à un impact qui semble imperceptible mais qui est en fait puissant. On peut composer pour raconter, captiver et émouvoir. Et pour deux personnes de niveau technique équivalent, c'est la composition d'image qui fera la différence.
Elle peut faire que votre client vous choisira vous, plutôt que votre concurrent, car il sera plus sensible à votre manière de composer et de raconter, même inconsciemment
Si vous êtes Photographe amateur, le résultat sera le même, par exemple dans le cadre d'une collaboration .
Vos équipes seront irrésistiblement attirées par votre travail, sans même savoir pourquoi, ce qui devrait vous faciliter grandement les choses pour l’organisation de vos shootings, pour la constitution de vos équipes, modèles, maquilleuse, coiffeuse, Styliste, etc.
Vous avez l’impression de tourner en rond, de ne pas évoluer dans votre pratique.
Beaucoup de gens croient que l’on doit composer d’après des règles. Alors qu’en fait on doit composer d’après son instinct. Les règles ne servent ensuite qu’a vérifier ou à éduquer ces aptitudes que nous possédons tous instinctivement : la perception et la sensation d’harmonie et d’équilibre.
Cette sensation est instinctive, mais elle peut s’éduquer, avec la technique suivante, d’une simplicité déconcertante :
Expliquer pleinement ce qu’est la règle d’or et les outils de cadrage. Ne pas se contenter de dire « qu’il faut les utiliser », mais montrer pourquoi et comment (chose qui n’est jamais faite, ou le plus souvent bâclée). Dire à quelqu’un « qui faut placer le regard sur une ligne de force » ne sert à rien si la personne ne comprend pas pourquoi. C’est pourtant de cette manière que la règle des tiers est « enseignée » la plupart du temps.
Le photographe doit ensuite faire des des photos en tenant compte de ce qu’il à appris au point 1
Puis le photographe vérifie que ses photos réalisées au point 2 correspondent à ce qu’il a appris au point 1
Le photographe refait les points 2 et 3 encore et encore, jusqu’à se sentir de plus en plus à l’aise avce sa composition et son cadrage.
Les photographes possèdent cet instinct, mais les spectateurs (et donc les clients) aussi !
Ce ce fait, ceux-ci seront instinctivement attirés par des images qui traduisent le mieux l'instinct d’harmonie que nous possédons tous.
J’ai donc fait en sorte de créer un outil qui va révéler, développer et cultiver votre sensation naturelle d’harmonie visuelle.
CE A QUOI VOUS VOUS HEURTEZ...
La technique
Vos photos manquent d’impact visuel : Vous prenez de belles images, mais elles ne captivent pas l’attention ou n’ont pas la force que vous aimeriez.
✔️ Vous ne savez pas structurer vos images : Règles de composition mal maîtrisées, cadrages approximatifs, équilibre visuel hasardeux.
✔️ Vous appliquez des "règles" sans savoir pourquoi : Vous avez entendu parler de la règle des tiers, des lignes directrices… mais vous les utilisez mécaniquement sans comprendre leur réel impact.
✔️ Vous avez du mal à composer efficacement en fonction de votre sujet : Paysage, portrait, reportage… chaque type de photo a des exigences de composition différentes.
✔️ Vos photos manquent de profondeur et de dynamique : Vous ne savez pas comment guider l’œil du spectateur et donner du relief à vos images.
✔️ Vous ne savez pas comment exploiter l’arrière-plan et le premier plan : Vos fonds sont souvent trop présents ou totalement floutés, ce qui nuit à la lecture de l’image.
✔️ Vos images semblent désorganisées ou confuses : Trop d’éléments dans le cadre ? Manque de hiérarchie visuelle ?
L’artistique et le contenu de l'image
✔️ Vos images sont "belles", mais elles ne racontent rien : Vous avez une maîtrise technique correcte, mais vos photos ne dégagent aucune émotion ou message fort.
✔️ Vous ne savez pas comment créer des séries cohérentes : Vos photos sont indépendantes les unes des autres et ne racontent pas d’histoire globale.
✔️ Vous avez du mal à guider le spectateur : Vos images ne transmettent pas une intention claire, elles manquent d’une narration visuelle forte.
✔️ Vos compositions manquent de sens : Vous placez bien vos sujets, mais vous ne réfléchissez pas à l’histoire que chaque élément peut raconter.
✔️ Vous avez du mal à mettre en scène des portraits : Comment donner une intention, une émotion ou une narration à vos portraits, au-delà d’une simple pose ?
Votre singularité et ce qui vous différencie des autres
✔️ Vos photos manquent d’une signature visuelle identifiable : Vous avez l’impression que vos images ressemblent à celles de tout le monde.
✔️ Vous n’arrivez pas à trouver un style qui vous correspond : Vous testez différentes approches, mais rien ne semble cohérent ou "votre".
✔️ Vous vous sentez trop influencé par les tendances : Vous cherchez une esthétique qui vous ressemble, plutôt que de de copier ce qui fonctionne ailleurs.
✔️ Vous avez du mal à faire évoluer votre travail : Vous sentez que votre photographie stagne et manque d’une véritable direction artistique.
Les vidéos du cours à elles seules, ne suffisent pas.
Ce cours n’est pas uniquement constitué de vidéos, sans interaction avec le formateur. Les vidéos du cours à elles seules, ne suffisent pas. Une assistance permanente fait toute la différence au niveau de la convivialité et des résultats !
La zone de commentaires
Déposez vos messages dans la zone de commentaires en dessous de chaque vidéo ou document contenus dans le cours. Je réponds dans les plus brefs délais
La messagerie intégrée
Je réponds des que possible, en privé. Egalement envisageable par messagerie Telegram ou par mail.
SDPA
Rejoignez la communauté
Une communauté active, nous permettant de converser en privé (par écrit, en audio ou en visio), mais aussi d’avoir accès à un Forum de discussion traitant de multiples sujets comme le matériel, les techniques, la photo argentique, la Lomographie, les Légendes Urbaines et d’une manière générale, tout ce qui permet de « Photographier Autrement ». On y trouve également les Groupes Privés rattachés à chacun des Cours Online.
Les visio-réunions périodiques sur le serveur Discord
Réservé aux élèves du cours. Nous nous retrouvons en visioconférence une fois par semaine pour discuter de vive voix, entre élèves et avec moi, de vos difficultés et je vous aide en live a résoudre le problème. Nous parlons aussi de vos réussites et de vos succès
Le « tchat »
Réservé aux élèves du cours. Nous discutons tous ensemble des points à clarifier et qui ne pourraient pas attendre le prochain live. On y planifie les prochaines réunions. On y trouve aussi des Tips, des résultats de prompts ChatGPT et autres outils que chacun peut apporter, souvent en liaison avec ce qui a été dit en live.
La communauté « Photographiez Autrement » sur Discord
Accessible gratuitement à tous, sur invitation. Parlons photographie, marketing pour photographes, business photo, vidéo pour l’auto-promotion des photographes, photo de nu artistique, et même musique !
Le coaching de fin de cours
C’est une réunion visio en face à face qui se fait à l’issue de votre cours. Une heure de coaching durant lequel nous allons faire le point sur le cours que vous venez de terminer, afin de clarifier tout point qui ne serait pas parfaitement clair et pour s’assurer de la validité de vos acquis.