COURS ONLINE
La photo de portrait, de beauté, de mode, de nu et de boudoir : le studio ultra accessible
Pourquoi la photo de studio reste-t-elle un univers si opaque, même pour des photographes expérimentés ?
Le studio impressionne. Il déroute. Ce n’est pas seulement une question de matériel, mais plutôt une accumulation de doutes qui finissent par rendre chaque étape confuse. Trop de paramètres, trop de termes techniques, trop peu d’explications concrètes.
On installe une lumière, on déclenche… mais le résultat n’est pas là. L’image ne ressemble pas à ce qu’on avait en tête.
Ce flou vient souvent d’un manque de méthode : on ne sait pas comment positionner ses sources, ni comment adapter la lumière au sujet. On ne sait pas non plus comment la mesurer précisément, que ce soit au flashmètre lorsqu’on utilise des flashes, ou au posemètre lorsqu’on travaille en lumière LED.
💡 Le studio n’est pas réservé à une élite. Mais tant qu’on n’a pas les repères essentiels donnés par un photographe professionnel expérimenté en studio, il reste un territoire flou, difficile à investir avec confiance.
La sensation d’approximation devient permanente. L’exposition semble instable, les ombres trop marquées ou trop plates, et l’image manque de tenue. À cela s’ajoute le problème du modèle : on ne sait pas toujours comment le diriger. Doit-on intervenir ? Laisser faire ? Corriger ? Reformuler ? Toute la séance se fait sous tension, sans fil conducteur.
Ce n’est pas une question de motivation. C’est une question de structure.
Tant que le studio reste un empilement de réglages obscurs, il ne peut pas devenir un outil photographique maîtrisé.
Ce sentiment d’imprécision, beaucoup de photographes le partagent. Il n’est pas une fatalité. Et c’est précisément là que commence ce cours.
Ce module réunit l’essentiel de ce qu’il faut savoir pour comprendre et appliquer la méthode “à la manière de” dans votre propre pratique du studio. Il rassemble cinq vidéos, chacune consacrée à un grand photographe — Patrick Demarchelier, Helmut Newton, Herb Ritts, Jeanloup Sieff et Jean-Baptiste Mondino —, pour analyser leur univers visuel, leurs setups emblématiques et la manière dont leurs choix de lumière, de cadrage et de rendu se traduisent dans leurs images.
Chaque module montre comment utiliser les “à la manière de” pour résoudre les incertitudes les plus courantes : savoir à quoi ressemblera le rendu avant même la prise de vue, comprendre quel post-traitement conviendra à l’intention initiale, et obtenir une continuité de style d’une séance à l’autre. C’est une méthode qui permet d’avancer avec assurance, en sachant où l’on va et pourquoi on y va.
Le mini-cours comprend également une vidéo bonus consacrée à la lumière LED, destinée à expliquer concrètement ses avantages et à aider chacun à déterminer si elle peut enrichir sa pratique du studio.
C’est un ensemble complet, conçu comme une immersion dans la démarche des grands photographes. Il offre des repères solides à ceux qui veulent comprendre ce qui rend leurs images intemporelles, tout en posant les bases d’une méthode de travail claire et reproductible.
Ce mini-cours représente également l’évolution de la nouvelle version du cours PHOTOGRAPHIEZ AUTREMENT EN STUDIO™, la version 4, qui prolonge cette approche avec des démonstrations détaillées, des setups complets et des études de cas approfondies.
Stéphanie Seymour par Patrick Demarchelier
Patrick Demarchelier est une référence mondiale de la photographie de mode et de studio. Son style intemporel, fondé sur la simplicité et la maîtrise de la lumière, est devenu un repère pour de nombreux photographes. Il travaille souvent en fond neutre, avec une seule source lumineuse qu’il place avec une précision exemplaire. Ce minimalisme volontaire met l’accent sur la construction de l’image et la présence du sujet, sans effets inutiles. Son approche a façonné une part de l’esthétique contemporaine du portrait de mode. Il est mentionné dans Le Diable s’habille en Prada et fut le photographe officiel — et ami — de Lady Diana.
Bjork par Jean-Baptiste Mondino
Jean-Baptiste Mondino est un photographe et réalisateur français dont le style fusionne la mode, la musique et la publicité. Sa triple activité — photographe de mode, vidéaste musical et réalisateur publicitaire — lui a permis de créer un univers visuel à la fois élégant, énergique et profondément ancré dans la culture populaire. Il maîtrise la lumière de studio avec une précision quasi cinématographique et joue sur les contrastes nets, les attitudes fortes et les mises en scène graphiques. Son regard mêle sensualité, ironie et audace visuelle, tout en restant au service du style et du rythme. Il s’est imposé comme l’un des maîtres de l’image contemporaine, capable de passer du portrait au clip en gardant une esthétique immédiatement reconnaissable. Parmi ses travaux emblématiques, on retrouve le clip Cargo de nuit pour Axel Bauer, Tandem pour Vanessa Paradis, Vogue pour Madonna, les pochettes d’albums Debut de Björk et Crache ton venin de Téléphone, ainsi que des campagnes parfum mythiques pour Dior – J’adore et Louis Vuitton – Spell On You.
Yves Saint-Laurent par Jeanloup Sieff
Jeanloup Sieff est l’un des maîtres incontestés du noir et blanc. Son style se reconnaît immédiatement à ses contrastes profonds, à son usage audacieux du grand-angle et à la présence d’ombres denses qui sculptent l’image. Il joue avec l’élégance, la sensualité et la géométrie du cadre pour créer des portraits d’une intensité rare. Photographe de mode, de nu et de reportage, il a su mêler rigueur graphique et liberté artistique. Parmi ses images les plus emblématiques, on trouve le célèbre portrait nu d’Yves Saint-Laurent, qui incarne à lui seul l’audace et la modernité de son regard.
Sigourney Weaver par Helmut Newton
Helmut Newton est une figure incontournable de la photographie de mode. Son regard audacieux a redéfini les codes du portrait et du glamour : il met en scène des femmes puissantes, chargées de désir et d’une élégance froide, dans des compositions travaillées alliant lumière forte, contraste élevé et atmosphère cinématographique. Son travail mêle subtilement érotisme et sophistication, tout en restant enraciné dans une esthétique visuelle maîtrisée.
Madonna par Herb Ritts
Herb Ritts s’est imposé comme une référence majeure de la photographie de mode et du portrait. Son style, épuré et intemporel, repose sur des compositions sculpturales, souvent en noir et blanc, où le corps devient une architecture à part entière. Il travaille presque toujours avec la lumière naturelle californienne, qu’il utilise comme un sculpteur modèle la matière. Ses images, influencées par l’esthétique classique, se distinguent par leurs lignes claires, leur équilibre et la présence fréquente d’une ombre portée sur le fond, devenue l’une de ses signatures visuelles.
EN BONUS
Comprendre les avantages de la lumière LED avant de s’y engager
Cette vidéo est destinée à expliquer en détail ce qu’apporte la lumière LED à ceux qui hésitent encore à franchir le pas, ou qui souhaitent simplement comprendre ses atouts avant de s’y engager. Elle montre comment la lumière continue modifie profondément la manière de travailler : elle crée une atmosphère plus calme, plus fluide, et permet de voir le rendu final dès la mise en place du setup, sans avoir à déclencher. J’y aborde également la facilité d’ajustement en direct — puissance, température de couleur, orientation — ainsi que la liberté de placement qu’offrent ces sources plus légères et compactes. Cette vidéo ne cherche pas à opposer LED et flash, mais à montrer en quoi elles se complètent. Elle aide chacun à évaluer concrètement si la lumière continue correspond à sa manière de photographier, avant d’investir ou de modifier sa pratique.
CONTENU DU COURS
A partir de la version 1
Le module de base : Les fondements du studio
Plusieurs démonstrations « live »
D’une manière générale vous y trouverez le niveau de communication, d’empathie, d’écoute du modèle et du feedback donné au modèle sur ce qu’elle fait, de comment la rassurer, les « accusés de réception » et compliments sur un travail bien fait, de comment rectifier, corriger et expliquer à un modèle en gardant le contrôle et avec bienveillance, de fermeté de direction accompagnée de sa dose de respect et même d’humour.
Données générales sur la mesure et l’optimisation. La vraie MÉTHODE D'OPTIMISATION DE LA MESURE DE LA LUMIÈRE EN NUMÉRIQUE À +1,33 IL, telle que je l’ai mise au point à la fin des années 2000
Module « Déconstruction Beauté »
Toutes les étapes pour réaliser une photo de beauté professionnelle.
Module « Déconstruction Mode »
Toutes les étapes pour réaliser une photo de mode professionnelle, avec un exemple « prêt-à-porter »
Module « Déconstruction Beauté » et Module « Déconstruction Mode »
Déconstruction de l’image depuis le rendu initial, jusqu’au traitement final
Module « Déconstruction Beauté » et Module « Déconstruction Mode »
Savoir dire à votre retoucheur : quoi retoucher et ou s’arréter, pour un rendu « pub cosmétiques »
Module « les principaux modeleurs »
Avec pour chacun une description du modeleur, le setup (du plan lumière) et sa mesure, puis une démonstration du shooting.
A partir de la version 2
La photo de Nu en Sudio – Comment démarrer ou compléter son Studio à mini budget
Si vous voulez débuter le studio sans vous ruiner, apprenez à réaliser vos premières photos au rendu professionnel, avec une simple lumière continue (LED) et l’appareil photo que vous possédez déjà ou même avec votre smartphone.
Ceux qui possèdent déjà du matériel flash de studio y verront eux, un moyen supplémentaire de réaliser des photos en configuration « super légère »
Un ensemble de planches de photos classées par thème, dans lesquelles je vous révèle toutes les techniques que j’utilise professionnellement en Nu Classique (clair Obscur notamment) et « nu-mode » et en « nu beauté cosmétiques »
A partir de la version 3
Construire une lumière LED esthétique et maîtrisée pour le boudoir, facilement transposable au flash
Ce Module donne accès à l’essentiel de ce qu’il faut savoir pour photographier en lumière LED (transposable au flash) dans le cadre d’un projet boudoir. Il condense les principes fondamentaux dans trois vidéos claires, accessibles, et immédiatement applicables.
ce mini-cours est pensé pour transmettre des repères solides, aussi bien pour les photographes professionnels que pour ceux qui réalisent des séances en collaboration. Il offre à chacun une base concrète pour structurer ses prises de vue, ajuster sa lumière, et mettre en valeur le corps sans tomber dans les clichés.
Et pour ceux qui souhaitent approfondir les techniques de pose, de direction ou de rendu dans l’univers du boudoir, il existe un stage complet — en présentiel — qui prolonge ce travail en allant beaucoup plus loin. Ce stage vous permet de mettre en pratique ces données, avec un accompagnement sur mesure, quel que soit votre niveau ou votre matériel.
L’impact du « bruit numérique » sur la qualité perçue des images, et pourquoi il est souvent mal interprété
La première vidéo revient sur un malentendu très répandu : celui de la « propreté » d’une image. Beaucoup de photographes redoutent le bruit numérique sans comprendre réellement ce qu’il est, ni comment l’anticiper.
On y explique la différence entre bruit et grain, pourquoi une image un peu bruitée peut parfois être préférable à une image trop lissée, et comment le rendu d’une lumière douce influence cette perception.
Ce module permet aussi de réviser les fondamentaux sur les ISO — trop souvent mal compris — et de les relier aux vrais choix créatifs d’un portrait.
Éclairages LED, projecteurs, boîtes à lumière : comment choisir, et comment cela s’intègre à un workflow photo (ou vidéo)
Cette vidéo fait le point sur les principales familles de matériel LED utilisables en boudoir : projecteurs directionnels, lanternes, boîtes à lumière…
Chaque outil est replacé dans un contexte clair : quel rendu visuel, quel usage, et quelles contraintes.
Un parallèle est également établi avec les systèmes flash, afin de comprendre comment les photographes déjà équipés peuvent adapter (ou compléter) leur setup sans repartir de zéro.
Enfin, l’arrivée récente des grandes marques historiques (comme Profoto) dans l’univers LED montre à quel point cette lumière devient un standard professionnel — y compris en boudoir.
Des setups concrets et reproductibles, pour structurer ses prises de vue dans tous les contextes
Cette dernière vidéo présente trois configurations lumière complètes, conçues pour être directement utilisables — que l’on travaille avec des LED ou avec un système flash.
Chaque configuration a été pensée pour répondre à des approches différentes du boudoir : séance professionnelle en studio, projet personnel, ou collaboration avec un modèle.
Les schémas lumière sont fournis, avec leurs variantes possibles, pour permettre à chacun de reproduire ou d’adapter la configuration selon ses contraintes techniques ou matérielles.
Le tout dans une logique claire et accessible, sans matériel imposé.
A Partir de la version 4
De l’importance des « A La Manière De » ...
Ce module réunit l’essentiel de ce qu’il faut savoir pour comprendre et appliquer la méthode “à la manière de” dans votre propre pratique du studio. Il rassemble cinq vidéos, chacune consacrée à un grand photographe — Patrick Demarchelier, Helmut Newton, Herb Ritts, Jeanloup Sieff et Jean-Baptiste Mondino —, pour analyser leur univers visuel, leurs setups emblématiques et la manière dont leurs choix de lumière, de cadrage et de rendu se traduisent dans leurs images.
Chaque module montre comment utiliser les “à la manière de” pour résoudre les incertitudes les plus courantes : savoir à quoi ressemblera le rendu avant même la prise de vue, comprendre quel post-traitement conviendra à l’intention initiale, et obtenir une continuité de style d’une séance à l’autre. C’est une méthode qui permet d’avancer avec assurance, en sachant où l’on va et pourquoi on y va.
Le mini-cours comprend également une vidéo bonus consacrée à la lumière LED, destinée à expliquer concrètement ses avantages et à aider chacun à déterminer si elle peut enrichir sa pratique du studio.
C’est un ensemble complet, conçu comme une immersion dans la démarche des grands photographes. Il offre des repères solides à ceux qui veulent comprendre ce qui rend leurs images intemporelles, tout en posant les bases d’une méthode de travail claire et reproductible.
Ce mini-cours représente également l’évolution de la nouvelle version du cours PHOTOGRAPHIEZ AUTREMENT EN STUDIO™, la version 4, qui prolonge cette approche avec des démonstrations détaillées, des setups complets et des études de cas approfondies.
Stéphanie Seymour par Patrick Demarchelier
Patrick Demarchelier est une référence mondiale de la photographie de mode et de studio. Son style intemporel, fondé sur la simplicité et la maîtrise de la lumière, est devenu un repère pour de nombreux photographes. Il travaille souvent en fond neutre, avec une seule source lumineuse qu’il place avec une précision exemplaire. Ce minimalisme volontaire met l’accent sur la construction de l’image et la présence du sujet, sans effets inutiles. Son approche a façonné une part de l’esthétique contemporaine du portrait de mode. Il est mentionné dans Le Diable s’habille en Prada et fut le photographe officiel — et ami — de Lady Diana.
Bjork par Jean-Baptiste Mondino
Jean-Baptiste Mondino est un photographe et réalisateur français dont le style fusionne la mode, la musique et la publicité. Sa triple activité — photographe de mode, vidéaste musical et réalisateur publicitaire — lui a permis de créer un univers visuel à la fois élégant, énergique et profondément ancré dans la culture populaire. Il maîtrise la lumière de studio avec une précision quasi cinématographique et joue sur les contrastes nets, les attitudes fortes et les mises en scène graphiques. Son regard mêle sensualité, ironie et audace visuelle, tout en restant au service du style et du rythme. Il s’est imposé comme l’un des maîtres de l’image contemporaine, capable de passer du portrait au clip en gardant une esthétique immédiatement reconnaissable. Parmi ses travaux emblématiques, on retrouve le clip Cargo de nuit pour Axel Bauer, Tandem pour Vanessa Paradis, Vogue pour Madonna, les pochettes d’albums Debut de Björk et Crache ton venin de Téléphone, ainsi que des campagnes parfum mythiques pour Dior – J’adore et Louis Vuitton – Spell On You.
Yves Saint-Laurent par Jeanloup Sieff
Jeanloup Sieff est l’un des maîtres incontestés du noir et blanc. Son style se reconnaît immédiatement à ses contrastes profonds, à son usage audacieux du grand-angle et à la présence d’ombres denses qui sculptent l’image. Il joue avec l’élégance, la sensualité et la géométrie du cadre pour créer des portraits d’une intensité rare. Photographe de mode, de nu et de reportage, il a su mêler rigueur graphique et liberté artistique. Parmi ses images les plus emblématiques, on trouve le célèbre portrait nu d’Yves Saint-Laurent, qui incarne à lui seul l’audace et la modernité de son regard.
Sigourney Weaver par Helmut Newton
Helmut Newton est une figure incontournable de la photographie de mode. Son regard audacieux a redéfini les codes du portrait et du glamour : il met en scène des femmes puissantes, chargées de désir et d’une élégance froide, dans des compositions travaillées alliant lumière forte, contraste élevé et atmosphère cinématographique. Son travail mêle subtilement érotisme et sophistication, tout en restant enraciné dans une esthétique visuelle maîtrisée.
Madonna par Herb Ritts
Herb Ritts s’est imposé comme une référence majeure de la photographie de mode et du portrait. Son style, épuré et intemporel, repose sur des compositions sculpturales, souvent en noir et blanc, où le corps devient une architecture à part entière. Il travaille presque toujours avec la lumière naturelle californienne, qu’il utilise comme un sculpteur modèle la matière. Ses images, influencées par l’esthétique classique, se distinguent par leurs lignes claires, leur équilibre et la présence fréquente d’une ombre portée sur le fond, devenue l’une de ses signatures visuelles.
EN BONUS
Comprendre les avantages de la lumière LED avant de s’y engager
Cette vidéo est destinée à expliquer en détail ce qu’apporte la lumière LED à ceux qui hésitent encore à franchir le pas, ou qui souhaitent simplement comprendre ses atouts avant de s’y engager. Elle montre comment la lumière continue modifie profondément la manière de travailler : elle crée une atmosphère plus calme, plus fluide, et permet de voir le rendu final dès la mise en place du setup, sans avoir à déclencher. J’y aborde également la facilité d’ajustement en direct — puissance, température de couleur, orientation — ainsi que la liberté de placement qu’offrent ces sources plus légères et compactes. Cette vidéo ne cherche pas à opposer LED et flash, mais à montrer en quoi elles se complètent. Elle aide chacun à évaluer concrètement si la lumière continue correspond à sa manière de photographier, avant d’investir ou de modifier sa pratique.
Ces mini-cours sont inclus et accessibles directement depuis le cours PHOTOGRAPHIEZ AUTREMENT EN STUDIO
Imaginez que vous puissiez accéder à la pratique de la photo de studio en maitrisant toutes les étapes, que l'on doit habituellement endurer dans la douleur, de manière extrêmement simple, sans stress, avec des démonstrations visuelles sur la manière d'installer votre flash, de mesurer la lumière, de diriger le modèle, sélectionner et post-traiter vos images, etc
mais vous vous heurtez à divers problèmes :
Vous trouvez ça effrayant et inaccessible
Vous trouvez ça trop compliqué
Cela nécessite beaucoup de matériel couteux
Vous aimeriez faire bien mieux que ce que vous faites actuellement
Résultat ?
Vous n’avez pas commencé de photographier en studio
Ou vous pouvez être tenté d'abandonner
Ou bien votre activité studio stagne
Votre activité studio fonctionne, mais vous aimeriez l’améliorer, être plus efficace, avoir un rendu plus professionnel.
Vous n’obtenez pas le retour financier que vous espérez sur votre activité studio
En tant qu’amateur, vous avez du mal à atteindre vos objectifs
Le numérique a eu un effet insidieux sur la photographie : en même temps que nous assistions à des fabuleuses percées techniques, il y a eu assez étrangement un abandon des bonnes pratiques photographiques.
Le problème avec le studio, c’est d’avoir retiré des pratiques indispensables, qui fonctionnaient.
Et on en est venus à croire que :
Le numérique permet de s'abstenir « d’anciennes pratiques » (en fait toujours valides), heureusement toujours perpétuées par les grands professionnels et les maitres de la photographie
L’on peut négliger les conseils donnés par les pionniers du numérique a(ou ne pas en avoir connaissance)
L’on peut rattraper en post-traitement des erreurs faites à la prise de vues. Ce dernier point est la conséquence directe des deux premiers.
L’on peut diriger son modèle en suivant les « astuces » trouvées ici et là sur les réseaux, plutôt que de procéder comme le font les maîtres et le grands professionnels
Une nouvelle donne
Elle consiste :
À travailler en utilisant ce qui a toujours fonctionné : les techniques utilisées par les pros.
A réutiliser les recettes oubliées et pourtant éprouvées des grands professionnels et des maitres de la photographie
Concernant l’exposition et l’optimisation pour le numérique, suivre les conseils des Pionniers du numérique comme Bruce Fraser & Thomas Knoll
A diriger son modèle comme le font les pros et les maitres de la photographie
Mais comment faire ?
Comme à mon habitude, je me suis tourné vers l’observation de la manière dont les pros travaillaient
Et je me suis aperçu qu’ils avaient conservé leurs habitudes acquises en argentique, et qu'il les avaient simplement transposées au numérique.
Et c'est tout à fait logique : lorsque vous avez une carrière importante derrière vous et une continuité professionnelle à assurer, vous ne pouvez pas vous permettre de tout changer d'un seul coup sous prétexte de révolution technologique.
Vous devez forcément faire une transition progressive, tout en conservant de l’argentique et des pratiques « avant numérique », ce qui en a fait l’âme de la photographie. C'est notamment ce qu’a fait Sebastiao Salgado lors de son passage au numérique. Il a énormément travaillé le rendu de ses « tirages ».
Il était donc nécessaire de faire cette fusion entre les anciennes méthodes et l'évolution technique apportée par le numérique.
Et les faits sont là : on trouve aujourd'hui une référence plus que marquée aux anciennes méthodes, par exemple en termes de traitements très typés « argentiques » notamment en éditorial (photos pour magazines). Même la vidéo à été rattrapée par le passé cinéma : très employé, le terme « cinematic » désigne entre autres, le rendu « pellicule ». Il ne s’agit pas d’une « mode » mais bel et bien d’un « Back to Basics » (un retour aux sources)
Suite à ces recherches, j’ai établi des grandes zones sur lesquelles porter son attention pour pouvoir effectuer cette « fusion » entre les anciennes méthodes de la période argentique et la révolution numérique
Ces grandes zones inspirées des grands professionnels et des maitres de la photographie sont les suivantes :
La direction du Modèle
Les éclairages « A la manière de... »
La mesure de la lumière au flashmètre/posemètre
L’optimisation de cette mesure pour l’adapter au numérique
Le post-traitement des images typé « Argentique »
A cette fin, j’ai mis en place une méthode simple permettant de mener une photographie de A à Z
Conception de la lumière « à la manière de... ». Non pas pour copier, mais parce que c’est une manière de procéder qui a fait ses preuves
Installation du matériel en conséquence
Mesure au flashmètre et optimisation pour le numérique
Réalisation de la séance elle-même, en vue d’obtenir un résultat « pro »
Direction du modèle comme le font les professionnels
Le post-traitement des images.
Avez-vous déjà eu l'impression que vos modèles ne comprenaient pas vraiment ce que vous attendiez d'eux ? Le manque de communication claire est une frustration récurrente pour de nombreux photographes portraitistes.
Beaucoup d'entre nous se retrouvent dans des séances où le modèle semble perdu, hésitant, ou trop figé. C’est souvent parce que nous, en tant que photographes, n’avons pas réussi à transmettre efficacement nos attentes ou à les mettre à l'aise.
Dans mon cours « PHOTOGRAPHIEZ AUTREMENT EN STUDIO™ », je vous montre en « direct live » comment je dirige mes modèles en studio
Mettez en place dans votre propre workflow, les techniques studio utilisées par les pros
Imaginez que vous puissiez éclairer votre scène de manière professionnelle, mesurer pour obtenir l’exposition exacte, diriger votre modèle pour obtenir des portraits intemporels, sélectionner et post-traiter vos images pour obtenir au final des images au rendu « magazine »
Shooting réalisé avec un coiffeur labellisé Redken
Les grands photographes et les maitres de la photographie ont tracé le chemin. Travailler « à leur manière » nous permet de ne pas « réinventer la roue », de gagner du temps, de diminuer notre taux d'échec tout en nous adaptant aux évolutions du numérique.
Ces données « A la manière de... » concernent notamment :
A la manière de Patrick Demarchelier
Pour Vogue
A la manière de Victor Demarchelier
A la manière de Peter Lindbergh
Milla Jovovich
A la manière de Paolo Roversi
Natalia Vodianova
A la manière de Albert Watson
Steve Jobs
A la manière de Patrick Demarchelier
Kate Moss & Carla Bruni
Voici les bonus qui sont intégrés dans ce cours
L’accès à la section des « TUTORIELS GRATUITS » est directement intégré dans le cours. Vous y aurez natuellement accès sans même avoir à vous y inscrire, comme c’etait le cas auparavant.
Ces documents PDF retracent de manière schématique un point particulier du cours.
En plus des vidéos exclusives spécifiques au cours, vous aurez accès à des vidéos supplémentaires qui complèteront votre cours
Nous ne photographions pas que des jeunes gens
Il est important de comprendre que tout ce qui est abordé dans les formations ne concerne pas que les jeunes filles de 20 ans, mais s’applique également aux tranches d’age supérieures, depuis les trentenaires, en passant par les quadras et jusqu’aux séniors.
Les vidéos du cours à elles seules, ne suffisent pas.
Ce cours n’est pas uniquement constitué de vidéos, sans interaction avec le formateur. Les vidéos du cours à elles seules, ne suffisent pas. Une assistance permanente fait toute la différence au niveau de la convivialité et des résultats !
La zone de commentaires
Déposez vos messages dans la zone de commentaires en dessous de chaque vidéo ou document contenus dans le cours. Je réponds dans les plus brefs délais
La messagerie intégrée
Je réponds des que possible, en privé. Egalement envisageable par messagerie Telegram ou par mail.
Les visio-réunions hebdomadaires
Réservé aux élèves du cours. Nous nous retrouvons en visioconférence une fois par semaine pour discuter de vive voix, entre élèves et avec moi, de vos difficultés et je vous aide en live a résoudre le problème. Nous parlons aussi de vos réussites et de vos succès
Le « tchat »
Réservé aux élèves du cours. Nous discutons tous ensemble des points à clarifier et qui ne pourraient pas attendre le prochain live. On y planifie les prochaines réunions. On y trouve aussi des Tips, des résultats de prompts ChatGPT et autres outils que chacun peut apporter, souvent en liaison avec ce qui a été dit en live.
La communauté « Photographiez Autrement »
Accessible gratuitement à tous, sur invitation. Parlons photographie, marketing pour photographes, business photo, vidéo pour l’auto-promotion des photographes, photo de nu artistique, et même musique !
Le coaching de fin de cours
C’est une réunion visio en face à face qui se fait à l’issue de votre cours. Une heure de coaching durant lequel nous allons faire le point sur le cours que vous venez de terminer, afin de clarifier tout point qui ne serait pas parfaitement clair et pour s’assurer de la validité de vos acquis.
Et de la méthode du « +1,33 IL »
Basée sur les travaux des pionniers du numérique, la méthode de mesure et d’optimisation « à +1,33 IL » pour le support numérique a fait l'objet de nombreuses années de recherche et de mise au point, puis de mise en pratique et d’améliorations
Puis j'ai délivré ces techniques dans le cadre de mes formations depuis 2010 à de nombreux élèves
J'ai également formé des formateurs photo
Vous avez donc peut-être entendu parler de mesure et d'optimisation pour le numérique « à +1,33 IL » via leurs propres formations.
Bruce Fraser
Bruce Fraser est un expert de l'imagerie numérique et de la reproduction d'images en couleur. Consultant et conférencier reconnu sur la scène internationale, il est l'auteur d'un livre culte sur la gestion de la couleur et de plusieurs best-sellers sur Photoshop.
Thomas Knoll
Thomas Knoll est un développeur informatique américain qui, dans la fin des années 1980, créa le programme de retouche d'images Photoshop, ainsi que le module de développement numérique Adobe Camera Raw
Depuis 2008
À partir des informations données par Bruce Fraser et par Thomas Knoll dès 2004, j'ai fait de nombreux essais et expériences afin d'arriver à une méthode utilisable par chacun, et j'ai pu aboutir à la technique « de la mesure pour les hautes lumières » et « de l'optimisation à + 1,33 IL »
Puis j’ai utilisé ces techniques dans le cadre de mes shootings professionnels, notamment pour des grandes marques de cosmétiques (L’Oréal Professionnel, Redken, Schwarzkopf, etc)
Depuis 2010
J'ai ensuite vulgarisé cette méthode, afin de pouvoir la dispenser auprès de mes élèves.
C'est ainsi que j'ai formé de très nombreux photographes en France, Suisse et Belgique à la mesure en numérique et à l'optimisation pour le support numérique.
J'ai diffusé cette technique sur les réseaux, ainsi que dans mon livre « les secrets de la photo de studio » (Eyrolles)
J'ai également formé des formateurs à ces techniques, qui les dispensent à leur tour.